Taxi Driver - 1976 (Review)

Martin Scorsese, ha dirigido una buena cantidad de películas de culto. Culto que se logra con ciertos detalles, giros súbitos con una locura que fraterniza con una atmósfera sucia de la sociedad.

Taxi Driver (1976) es una película que demuestra como la vida no tiene un sentido aparente sin darle un giro radical, y evitar la monotonía. Esa monotonía que se alcanza al vivir bajo los mandatos de los valores morales y lo que la sociedad considera correcto. No es tanto por el uso descontrolado de la violencia, algo que se maneja en la película de manera excepcional; se trata de la determinación de salir de esa caja, de nuestra zona de confort y darle una patada en el rostro a lo socialmente aceptable.

Travis (Robert De Niro) un militar retirado, se hunde en la necesidad de vivir en la ciudad haciendo lo que se requiera para sobrevivir, consigue este empleo de ser taxista. Lo veo como un camino propicio al fracaso, y sin duda Travis lo sabía. Es inevitable sentirse identificado con este personaje: tiene episodios de desesperación, pérdida de sueño, busca algo trascendental en su existencia. 

¿Qué de interesante tiene Taxi Driver? Hay que ver la película completa para darse cuenta de ello. Tiene esa estructura magistral con un giro súbito de los acontecimientos. Las escenas de violencia en los últimos minutos de terminar la película son muy cuidadosos, nada comparado con lo delicadamente sutil de las nuevas películas; en este caso es violencia gráfica muy explícita pero sin ser incómoda, solo se muestra lo necesario. 

La primera que vez que la vi, pude sentirme aliviado de reconocer a Scorsese de inmediato, además de que aparece interpretando a un personaje dentro de la película, la misma tiene su toque característico. La música incluso es muy precisa y sencilla. El saxofón con toques de jazz hacen que la película fuese una seria de capítulos, uno entrelazado del otro. 

Incluso es notable en Pulp Fiction en la escena en la que Esmeralda recoge a Butch cuando acababa de asesinar a su contrincante, como sirve de inspiración Taxi Driver para definir como esta mujer taxista interroga a Butch (Bruce Willis) sobre como se siente asesinar y como se excita con solo escucharlo. Por ende marca referencia, no solo para otros directores sino para el mismo Scorsese. Es obvio que hay ciertos detalles que se pueden superar en tiempos actuales, sin embargo son esos detalles los que hacen esta película única. 

Es obligación verla si te gusta el cine, y si tienes un gusto en particular por este tipo de películas sobre la locura de su protagonista. Incluso es uno de los personajes más marcados que podido interpretar Robet De Niro, un personaje diferente a los demás que ha interpretado. Algo así como un héroe de contingencia, que aparece sin querer serlo. Aquí es lo interesante de la película: como lo correcto es lo más sucio de la sociedad, y como es necesario querer encontrar darle sentido a la vida asestando golpes contundentes en este caso con uso descontrolado de la violencia. No diré más, hay que ver la película para obtener un criterio propio.

Calificación: 8.5/10

The Grand Budapest Hotel (Review)

Wes Anderson es de esos directores que no son tan mainstream (populares) sin embargo, es su peculiar estilo que los define y los hace tener una marca registrada, que es inevitable al reconocer de inmediato una película que fue dirigida por él. The Grand Budapest Hotel (2014) no es la excepción. Nominada al premio Oscar de la academia como mejor película (2014), es una película que es sin duda una obra única, aunque se hayan observado trabajos similares de Wes; ésta tiene un sin número de detalles que superan en varios aspectos a sus anteriores trabajos.

No fue necesario que transcurrieran más de 5 minutos para que me cautivara, me hiciera posicionarme de una mejor manera en mi butaca y me emocionara de una manera sobrecogedora porque sabía (aunque Wes Anderson es uno de mis directores favoritos) que la película sería genuina y sumamente satisfactoria. La historia misma cuenta una gran cantidad de tragedias, pero no tristes como se esperaría; es más que algo que sucede y es inevitable. Los personajes, son como en la mayoría de las películas de Wes, pasivos y con pocos episodios de demostraciones de locura o pérdida del control. La manera, en la cual se cuidan los detalles son muy graciosos, no es que la película sea una comedia aburrida, y forzada, simplemente los acontecimientos son tan reales y tan desafortunados que no son incómodos; cada parte de ellos incluso tienen un por qué. 

La combinación de colores, los vestuarios y los diálogos casi poéticos, la hacen una excelente película. Pero es aquí donde se tiene que procurar tener un excelente equipo para poder proyectarla y obtener el máximo de ella. Los colores son bastante vivos, ya se ha visto esto en anteriores trabajos de Wes (The Royal Tenenbaums, The Life Aquatic with Steve Zissou) pero aquí sobresale la combinación, incluso con los fondos y los contrastes casi degradados en una misma escena, de los colores. 

M. Gustave (Ralph Fiennes) contribuye en gran parte a que la película tenga esa sensación de inquietud, que no quieras que termine. De manera impecable, da vida a un personaje fantasioso, amante de su trabajo y perfeccionista. Sin duda, el más destacable. 

Es una excelente película, muy recomendada para aquellos que gustan de películas como Amelie (2001); que son un encuentro con los monólogos internos y que las formas y los detalles importante mucho, además de la peculiaridad de sus colores. Espero con ansias otra película de Wes de este calibre o incluso mayor. 

Calificación: 8.5/10

35mm

La película de 35 mm es el formato de negativo o película fotográfica más utilizado, tanto en cine como en fotografía, que se mantiene relativamente sin cambios desde su introducción en 1892 por William Dickson y Thomas Edison, que usaron material fotográfico proporcionado por George Eastman. Su nombre viene de que el negativo es cortado en tiras que miden 35 milímetros de ancho1 2 y, según la norma, debe llevar cuatro perforaciones por cuadro o fotograma en ambos lados, para que la película se reproduzca a 24 fotogramas por segundo.3

Una gran variedad de calibres, en su mayoría patentados, fueron usados en numerosas cámaras y sistemas de proyección desarrollados independientemente a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX, desde los 13 mm a los 75 mm.4 La película de 35 mm fue finalmente reconocida como la medida estándar internacional en 1909 y se ha mantenido largamente como el formato de película dominante para la creación y proyección de imágenes, a pesar de las amenazas de calibres más pequeños y más grandes, y de formatos novedosos, porque su tamaño permite una relativamente buena relación entre el costo del material fotográfico y la calidad de la imagen capturada. Adicionalmente, la amplia disponibilidad de los proyectores de 35 mm en las salas comerciales hace que sea el único formato de película que puede ser reproducido en casi cualquier cine en el mundo.

Este calibre es extraordinariamente versátil en sus aplicaciones. En los últimos cien años se ha modificado para incluir sonido, rediseñado para crear una base de la película más segura, formulado para capturar color; ha contenido multitud de formatos de pantalla ancha (widescreen) e incorporado información de sonido digital en casi todas sus áreas que no tienen marcos. Desde el comienzo del siglo XXI, la fabricación de la película de 35 mm se ha vuelto un duopolio entre Eastman Kodak y Fujifilm.

3 mejores Soundtrack de todos los tiempos (Personal)

Es algo a lo que generalmente no se le toma mucha importancia, incluso podemos estar tan afanados por disfrutar la película que se hace difícil percatarnos lo que estamos escuchando; esa demostración y riqueza auditiva que complementa (por no decir otra cosa) a la escena, incluso a la película en su totalidad.

Recién hasta que salió la película del primer lugar es que tomé más a consideración este hecho, y buscando a mi colección me encuentro con una constante: 3 películas con increíbles soundtrack.

No me refiero a la concepción generalizada del mismo; muchos recuerdan con facilidad el soundtrack (banda sonora) de Star Wars episodio IV (1977) por ejemplo; o el soundtrack de The Lord Of The Rings - The Return Of The King (2003), que si bien es cierto son excepcionales, no cumplen con mis criterios personales en cuanto al gran abismo que existe entre estas últimas y las 3 que mencionaré a continuación, en comparación desde luego.


3. The Godfather (1972), Nino Rota

El padrino (por su traducción al español) es sin duda una de las mejores películas de todos los tiempos, a mi criterio la mejor. Tanto por su guión como por su legado y su producción, en síntesis casi perfecta. Pero no sería impecable sin esas melodías que acompañaban los episodios más representativos de la película, una combinación perfecta, entre la melancolía y la tranquilidad ante la relativa turbulenta trama.

Compuesta casi en su totalidad por el compositor italiano Nino Rota, se trata de una serie de canciones que encajan perfectamente en el ambiente y cierran el telón casi de manera magistral; no puede haber algo más genuino y singular para acompañar esta película.

Nino Rota

2. Insterstellar (2014), Hans Zimmer

Sin duda la mejor película del año pasado a mi criterio, a pesar que no recibió la nominación por parte de la academia, esta película se coloca también como una de las mejores de todos los tiempos.
Tanto por el guión como por la serie de argumentos y teorías de posibilidades de como funciona el cosmos. Christopher Nolan se preparó para esto toda su vida, y sentó las bases para crear cosas de niveles macros a moléculas sintetizadas en límites pequeños, en este caso una película.


Christopher Nolan, le pidió a Hans Zimmer (Inception) que crea la banda sonora de su película, lo más peculiar es que Nolan resumió el vasto guión en una sola página, para que antes de siquiera poder comenzar con la producción, Zimmer ya tuviera la composición del sountrack. El resultado una serie de melodías magistrales que acompañan de manera perfecta toda la película, incluso es tan perceptible la genialidad de Zimmer al conseguir sin ni siquiera haber visto la película, que las acciones y actuaciones así como la atmósfera misma, fuera perfecta.

Hans Zimmer

1. A Space Odyssey (1968), Varios

La primera vez que miré esta película me quedé inquieto como lo sucede a la mayoría de las personas que tienen la oportunidad de verla. Tarda 1 hora con 23 minutos para que en la película haya algún tipo de diálogo, y su tormentoso final de casi la misma duración, la hace una de las pocas películas del cine que no es mudo, con la utilización del recurso visual y casi perdido: la gesticulación de los actores. Es una película simplemente única, de la mano del visionario Stanley Kubrick. Pero es su banda sonora la que habla por ella misma. Insterstellar, sin duda alguna no sería nada sin esta película, incluso el soundtrack es tan desafiante y tan perfecto como en su competencia más cercana. El soundtrack es simplemente perfecto, encaje majestuosamente en la atmósfera de la película, y los ambientes y paisajes que se visualizan no pueden estar mejor decorados que con una serie de melodías que acentúan las sensaciones de desolación y desesperación por parte del protagonista. Ese sentimiento se hace casi único, entre el terror, miedo, la angustia, la desesperanza entre otros sentimientos que se obtienen al estar varado en la inmensidad del cosmos. Algo único.

Stanley Kubrick´s A Clockwork Orange (Review)

 

Anthony Burgess, autor del libro del mismo título A Clockwork Orange (1962), dijo en más de alguna ocasión que detestaba el trabajo de Kubrick sobre su obra. 

Anthony Burgess

No necesariamente por la adaptación, simple y sencillamente que consideraba poco creativo proyectar esta obra visualmente propiamente. No culpo a Burges, por su no tan egocéntrica posición, al fin de todo, él es el autor del libro y está en su sano de derecho de incriminar a Kubrick de tan poca "creatividad". Creo que es de lejos una de las mejores películas de todos los tiempos, tanto por su estética como su atmósfera, incluso la adaptación del guión no es tan indiferente, a excepción de ciertos detalles. Es un encuentro con la violencia o como lo define el propio Alex DeLarge: Ultraviolence, algo así como una violencia incontrolable inspirada por un placer o gusto innerente de cada ser humano, en este de la música y siendo más específicos: la Novena Sinfonía de Beethoven.

Stanley Kubrick

A Clockwork Orange (1971) de Stanley Kubrick, podría ser la película la película que menos adaptada a su tiempo, con un estilo futurista y una visión de la sociedad no tan alejado de la realidad solamente que con toques sarcásticos. 1971 era un año de libertad y desenfreno, tanto en el plano artístico como el social. No era tan escandalozo entonces para esa época esta película, no tanto por lo menos como lo fue el libro 10 años antes. Los diálogos son casi retóricos y los personajes le agregan más dramatismo con actuaciones marcadas por la sobriedad. Destaco algo interesante de Kubrick, que no abandona la participación de la mujer dentro de sus películas por lo menos persiste en su anterior trabajo A Space Odyssey (1968); no tanto que es una percepción machista, simplemente que la mujer muestra una línea contínua sin altos y bajos; a excepción de algunos personajes; claro ejemplo de esto es la mamá de Alex, no falta ver más de 5 min de su actuación para darse cuenta de ello.

Kubrick, ya venía de hacer 2001: A Space Odyssey (1968), y las espectativas eran más que altas. La primera vez que tuve la oportunidad de ver La Naranja Mecánica (por su traducción al español), me recordó al apelativo con el que se conocía a la selección de futbol de Holanda, no estaba tan alejado de la realidad, de hecho, le dieron ese nombre a la selección por la película. 

Yo defino a la La Naranja Mecánica, como un logro cinematográfico, la historia o guión es exquisito. Hay tanto de lo que se puede hablar de ella. Desde el plano social, hasta detalles mínimos como la fotografía.

Incluso el vestuario, una moda no tan abusiva para la época pero si muy representativa, es como un juego entre lo que se supone son tendencias futuristas y lo que ya se maneja hasta esa fecha sobre lo que se conoce como cultura POP. 

 

Lo más destacable sin duda es en parte los infortunios de Alex, y como él define sus ideas tan elocuentes. Me interesó mucho, el procedimiento Ludovico; sumamente creativos. Incluso se culpa al espectador de morbo al considerar dicha técnica como necesaria solución a los problemas de violencia y criminalidad.

 

En terminos generales, es una película obligatoria, me refiero al sentido de que incluso es un gran beneficio autoconsolador, por un lado el anti heroe que en este caso es Alex, consigue que el espectador considere que la sociedad lo ha hecho frágil, sin embargo, es inevitable pensar que su acción previo a la técnica ludovico no es más que parte de su rebeldía y que sea como sea, eso llega a conseguir una pena. Alex tuvo que reconocer que la sociedad no es solamente violencia, sexo, alcohol y dinero; es algo incluso más peligroso: Control e indiferencia, marcado por el mismo sistema, un control del individuo y una indiferencia egocéntrica que nos hace evitar el mal colectivo y procurar el bien propio. Ahí radica el título de la Naranja Mecánica, el mismo hombre es una máquina; un objeto mecánico que se rigue por directrices pre establecidas. 

Sea como sea, Stanley consiguió extraer la esencia, la matería prima para consolidar por medio de su visión el trabajo de Burgess. Un trabajo excelente, sobre todo por la visión de Kubrick, y todo lo que implica la película misma. La época fue propicia para que saliera algo único, quizás en estos tiempos con las nuevas tecnologías y demás, no se hubiera conseguido el mismo resultado, incluso con otro director.

Puntuación: 9.3/10

5 mejores películas sobre Gangsters

Automáticamente al hablar de películas de gangsters se nos viene a la mente películas como Scarface (Brian De Palma, 1983) o The Untouchables (Brian De Palma, 1987) o la misma The Goodfather (Francis Ford Coppola, 1972); no alejados de la realidad, el tema es trascendental dentro del mundo del cine. Se han creado la mayoría de piezas maestras del cine, en base a este tema. No es casualidad, es un tema del cual se tiene mucha tela que cortar; no es repetitivo y si se trabaja con un guión único, se tiene asegurado como mínimo una nominación a un premio de la Academia.

A continuación les propongo mi lista de las 5 mejores películas de gangsters de los últimos tiempos.





5. Casino, de Scorsese (1995)

Era 1995 y Martin Scorsese ya es una director consagrado con títulos como Taxi Driver (1976) y Goodfellas (1990), por ende era más que necesario que terminara su legado impecable con Casino, una película sobre el negocio de eso... Casinos. Es sin duda una película importante, ya que luego de ella sería casi nulo mantener esa esencia del estilo gangster de directores como Brian De Palma o Francis Ford Coppola, sería entonces una de las mayores culminaciones del género. Casino, es incluso el mejor trabajo de Sharon Stone, quien nunca había sido tomada en serio, hasta ese momento, inclusive fue nominada como mejor actriz en rol protagónico, algo que jamás volvería a repetirse. Joe Pesci, impecable como siempre. Y Robert De Niro, nuevamente con protagonismo, pero en este caso Scorsese utiliza a su máxime "consentido" de una manera vulnerable a pesar que en casi la totalidad de la película sobresale este personaje ambicioso y sucio así como se representa a un gangster. 

4. Once Upon A Time In America (Sergio Leone, 1984)

Una de las películas más importantes del género, nuevamente Robert De Niro en el rol protagónico, en este caso sobre un gangster judio que luego de su exilio regresa a Manhattan a hacer frente a su pasado y con ello tendrá que definir el pasado tormentoso de su niñez y lo que es ahora. Excelente película.

3. Goodfellas (Martin Scorsese, 1990)

1990 y Martin Scorsese dirige la que podría ser su mejor película. Goodfellas, es de esas películas que tiende a tener enlaces en la misma película que pueden llegar a perturbar el verdadero objetivo del mismo. El guión es excelente, y la historia define perfectamente lo que es un gangster: dinero fácil, mujeres, amistad, drogas y muerte. En este caso, Robert de Niro sede el protagonismo a Ray Liotta, quien se ve como desde pequeño se emprende en el camino de extorsiones, robos, lavado de dinero y drogas, hasta que termina por sucumbir a las reglas establecidas por la sociedad. Joe Pesci, en esta ocasión lo logra, con una actuación impecable que le mereció el óscar del año 1991. Sin duda, una de las mejores películas de todos los tiempos y una parada obligatoria para entender el mundo gangster.

2. The Goodfather Part. II (Francis Ford Coppola, 1974)

Michael Corleone, tiene que tomar las riendas del negocio de su familia a causa de ser el único heredero y de acuerdo a su padre el único de merecerlo. The Goodfather II (El padrino II) es la mejor continuación de todos los tiempos, no se puede retomar de una mejor manera la historia definiendo y comparando los roles de cada uno (padre e hijo), en este caso Vito Corleone interpretado por el ya consagrado en la temática gangster: Robert De Niro, y Michael su hijo (Al Pacino); tienen que mantener su negocio, al mismo tiempo que disputan sus decisiones internas dejando todo lo que tienen por su familia, que consideran lo más importante. El año siguiente consiguió la estatuilla dorada (Oscar) a mejor película. Una obra maestra, no se puede hablar de gangster sin hablar de esta película.

1. The Goodfather  (Francis Ford Coppola, 1972)

Recuerdo la primera vez que vi la película, tenía en mi haber un sin número de clásicos, estaba más que climatizado con el tema de grandes producciones, y siempre postergaba el poder verla. Siempre me pareció muy poco atractiva a lo que buscaba (en esos tiempos estaba alunizado por Stanley Kubrick y su A Clockwork Orange (1971)) , así no le tomé importancia, hasta que un día por necesidad de más y buscar cubrir todo el esplendor del cine, la conseguí, me senté y me dispuse a verla. Desde que comenzó no pude soltar los ojos de la pantalla, cada detalle de ella es simplemente perfecto. Fuera de los detalles técnicos que el día de hoy serían fácilmente corregidos, es el hecho de que la película no pretende ser de las mejores, de hecho estoy convencido que es la mejor película de todos los tiempos. Tiene una actuación magistral de Marlon Brandon, interpretando al patriarca de la familia Corleone, la temática gangster es sobresaltada como la síntesis de los objetivos voraces de los gangsters y por sobre todo ese estilo característico. Sumado a ello y no menos importante, el soundtrack que le da esa atmósfera perfecta que juega con la delicadeza y la nostalgia de que las cosas están bajo control sin embargo es inevitable en este negocio estar a un paso de la muerte y de que todo colapse.

A mi criterio, no existe mejor obra que represente de una mejor manera el mundo gangster, y todo lo que implicaba serlo en la década de los 40. Sin duda alguna, una referencia: un antes y un después del cine.

Tarantino y su masterpiece (Pulp Fiction Review)

Para los que reconocen el nombre Tarantino, lo más probable es que se asocie con Kill Bill, que sin desacreditarla (como la totalidad de su filmografía) es una obra única con su propia marca; sin embargo al definir cuál es su mejor película, la mayoría coincide (incluyendo a su servidor) que es Pulp Fiction (1994). 

Es difícil decir algo que no se haya dicho ya de esta masterpiece (pieza maestra). Si nombre incluso es un punto de referencia. No es estrictamente una película de gangster, como Once upon a time in America (Sergio Leone, 1984) o Casino (Martin Scorsese, 1995) o Goodfellas (Martin Scorsese, 1990), fuertes referencias del género;  ni tampoco una comedia oscura, es simplemente producto de la mente de Tarantino, ya fuertemente influenciado por algunos de los anteriores títulos. A pesar de ser una película independiente con un presupuesto de $8,000,000 (la mayoría en pagos de salario), se logra con lo mínimo capturar la esencia del guión, por fortuna sería Tarantino quien además de escribirla, la dirigiría. 

Escrita por Quentin Tarantino y Roger Avary; en síntesis es una historia magistral con una estructura que no se ve de manera cronológica o secuencial, sobre varios personajes cuyas acciones se entrelazan en 4 historias que se pueden analizar por separado, utilizando la violencia característica de Tarantino y un elemento singular que podría decirse que es el punto final: la redención. No es una película que en lo personal me gusta definir su argumento, es simplemente una película que se tiene que ver para entender de lo que se habla. 

Pulp Fiction, es una serie de sucesos en torno a varios personajes, con diálogos muy dedicados con profundidad, nada está demás en esta película, existen algunas cosas técnicas que se mejoran con el tiempo, pero es algo irrelevante cuando se tiene una película con tanta riqueza en cuanto a cine se refiere. El hecho de que no esté en orden cronológico (por lo menos en cuanto a la secuencia de la película), lo hace aún más adictivo. Sus casi 2 horas con 30 minutos, se pasan volando sin siquiera querer probar algún aperitivo o snack. Es simplemente un viaje de moralidad vista desde el punto de Quentin. La primera vez que la vi, por cursi que parezca aprendí lo que era la satisfacción de ver algo único, esa sensación que se percibe cuando sentimos algo que nos llena el ser; quizás el sin número de detalles que se cuidan en la película o simplemente lo bien elaborado que está su guión. 

No es necesario tener una larga lista de películas de referencia para poder verla, a excepción de Taxi Driver (Martin Scorsese,1976) o The Goodfather (Francis Ford Copolla, 1972) que podría decirse que son las que más se asemejan, y desde luego su trabajo anterior Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992) que es un juego perfecto para probarse o preparar el campo para dejar ir su mejor obra. 

En cuanto a sus personajes, sin duda me quedo con Jules Winnfield (Samuel L. Jackson). Por el simple hecho que sobresale por sobre los demás, a pesar que no cruza palabras con Mia Wallace (Uma Thurman), quien dejaría en un buen merecido segundo lugar; el tipo logra cumplir con el cometido. Sufre de un episodio de encuentro personal, con algo en cual él llamada: intersección divina (se ve cuando logra esquivar los disparos en el apartamento y cuando están desayunando con Vincent Vega (John Travolta)) , esto tiene implicaciones más que divinas para la singularidad del guión, donde inclusive el mismo MarsellusWallace (Ving Rhames), decide dejar ir a Butch (Bruce Willis) y logran un acuerdo. 





Es obligatorio ver esta película si te consideras un cinéfilo, y un pecado considerarla como un simple juego de abusos descontrolados de la imaginación, con utopías fantasiosas. Fuera de que la considero mi película favorita, es una película super recomendada. Dedicar tiempo para verla unas 3 o 4 veces en un día no es obstinación por querer comprender todo su esplendor, es enriquecer el gusto y la apreciación por al arte mismo. Recientemente, tuve la oportunidad de verla en exhibición en una famosa cadena de cines de la capital, y se cumple la satisfacción de conciliar ese morbo de ver esposados de Butch y Marcelllus o simplemente a Wolf dando directrices a Vincent y Jules. Así que deja de esperar Rápido y Furioso 7 o The Avengers, o esperar navidad para ver el Titanic; eso es pérdida de tiempo. Pulp te abrirá las puertas a algo adictivo llamado cinefilia. 

Calificación: 9.5/10

Bienvenida

El cine es un arte adictivo. Tan adictivo que me veo en la necesidad de expresar su universo en una pequeña molécula y aún así estar lejos de su vasta inmensidad. 

Escoge una butaca y siéntate.